Contexto histórico.
El surrealismo fue otra tendencia dominante.
En Madrid, en torno a la Residencia universitaria de estudiantes y al teatro ambulante la <
Con todo ello, España se situaba en el camino de una vanguardia artística próxima a los principales centros internacionales, camino que prosiguió con la proclamación de la segunda república. Pero con el estallido de la guerra civil la instauración del régimen totalitario del General Franco y el exilio de la mayoría de los intelectuales y artistas progresistas, el país quedo sumergido en un profundo retroceso que lo alejo durante años de dinámica internacional.
Entre los movimientos de vanguardia que dominaron el panorama artístico durante la primera posguerra europea figura el surrealismo. Maurice Nadeau, uno de sus principales historiadores, ha afirmado que el Surrealismo fue el heredero y el continuador de los movimientos artísticos que le precedieron y sin los cuales no hubiera existido. Las principales figuras de esta nueva vanguardia fueron Aragon, Breton, Eluard y Peret; todos ellos integraron hasta 1922 el grupo dadaísta francés. Como se ha señalado en capítulos anteriores, Dada era una respuesta nihilista frente a los valores de la sociedad establecida, de ahí que buen numero de los valores de la sociedad establecida, de ahí que buen numero de los protagonistas del Surrealismo se hubieran afiliado antes al Dadaísmo.
En 1934, Bretón escribía que la aproximación a Lautreamont, a Rimbaud, incluso ciertas excentricidades que se les pudieran atribuir, provenían del nihilismo extremo que el fenómeno de la guerra había suscitado en muchos artistas y que los había precipitado en Dada.
La llegada de Tzara, Picabia y Duchamp a París, la realización de espectáculos-provocación, dieron lugar a la aparición del boletín Dada en el que colaboraban Picabia, Tzara, Aragon, Breton, Ribermont-Desaignes, Eluard, Duchamp, Dermèe y Cravan, es decir, el grupo dadaísta francés.
Paralemente, se editaba la revista Littèrature, dirigida por Argon, Breton y Soupault, en cuyas paginas aparecían las colaboraciones de los Dadaístas junto a otro sustrato también de tendencia revolucionaria pero enmarcado por las continuas referencias a Lautrèamont, Alfred Jarry, Apollinaire y Mallarmè.
En este continuo buscar en la agitación una producción que no fuese la oficial, Andrè Breton se vio impulsado a realizar una acción mas efectiva. En 1921, se inicio el proceso contra el escritor Maurice Barres, que había ensalzado los valores de la tierra, a los muertos y a la patria, valores todos ellos rechazados con indignación por el grupo le Littèrature.
Este proceso trajo consigo la condenación de Dada al año siguiente por Andre Breton y el inicio de un nuevo periodo de Littèrature que pretendía distanciarse de las escuelas dadaístas para iniciar otro tipo de experimentaciones, englobadas bajo la denominación de surreales, mas alla de los cauces normales.
Se experimento con el inconsciente, con la locura, el sueño, las alucinaciones. Los trabajos de Sigmund Freud empezaban a ser conocidos.
Si bien al principio el grupo de surrealistas fue fundamentalmente literario trabajaban en la creación de textos automáticos, en los relatos de sueños y, como en Dada, pesaba en ellos la postura antiartística, en 1924 aparecieron en Littèrature creaciones de Max Ernst, procedente de Alemania, a las que se unieron las de Andre Masson y, a partir de 1925, se produjo la conversión de los surrealistas a las artes plásticas.
Tres hechos importantes contribuyeron a la fundación oficial del grupo surrealista,
En 1924: publicaron, por André Bretón del Manifeste du surrèalisme.
La fundación de una sede propia el <<Bureau de recherches surrèalistes>>.
La creación de un órgano de prensa titulado <
El surrealismo es una tendencia artística surgida entre los años 1920 y 1930. Su aparición oficial se concibe en 1924, con la redacción de "El Manifiesto Surrealista" por el poeta y crítico francés André Breton. Al principio este fue un movimiento literario y filosófico pero los pintores no tardaron en incorporarse a él.
El surrealismo surgió del movimiento llamado Dadá, que reflejaba tanto en arte como en literatura la protesta nihilista contra todos los aspectos de la cultura occidental. Como el dadaísmo, el surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora, pero lo utilizaba de una manera mucha más ordenada y seria. El superrealismo, como también se le llama, es el deseo de expresar el mundo del inconsciente como ese mundo en penumbras y del que pocos conocemos.
Como todo ser humano, los artistas se sintieron frustrados con las pésimas condiciones en que se encontraba Europa a fines de la Segunda Guerra Mundial, por lo que su inspiración no la buscaban en la realidad, sino en sus sueños y fantasías.
Es importante señalar que la aparición del psicoanálisis, creado por el psicólogo alemán Sigmund Freud, influenció enormemente el desarrollo de esta técnica artística, ya que pone un especial énfasis en el inconsciente del hombre. El artista ya no se conformaba con ir a la estructura de las cosas o del movimiento; querían ver la realidad que se esconde debajo de la conciencia.
El cubismo había deshecho la tercera dimensión proyectando aquel lado de las cosas que solamente se pueden ver en distintos tiempos. El surrealismo trata de proyectar el interior a base de imágenes tomadas tanto de lo real como de lo onírico. En él no existe contradicción entre pasado y presente, entre pasado y futuro, ni tampoco entre lo real y lo imaginario, ya que todo se confunde.
El mundo surrealista se puede definir como caótico, absurdo e irracional. Es como la exteriorización de lo interior, sin control racional y sin obstáculos morales o estéticos.
El surrealismo se aplica mejor a las técnicas de la pintura que a las literarias. Mientras los escritores surrealistas cayeron en discusiones que los dividieron, fueron los pintores quienes difundieron y dieron a conocer el movimiento en todo el mundo.
En el surrealismo el arte se concibe como una forma de olvidarse de la realidad y buscar una manera de que el hombre se encierre en sí mismo; por algo su significado se deriva de dos raíces griegas: sub, que significa por debajo, y realismo que implica lo que realmente es, o sea, la realidad.
Esta tendencia busca inspiración al interior de la misma mente del artista y se olvida del pensamiento racional, porque la realidad no sirve para poner de manifiesto este nuevo sentido del arte. El tema del pintor no se halla delante de él cuando lo pinta, el material proviene de experiencias pasadas y de objetos vistos con anterioridad, cambiados y reagrupados después de un largo período de sumersión en el inconsciente. Su verdadera realidad es aquella que no se ve, es decir, la que esta inmersa en los sueños y el inconsciente. Es por esta razón que el surrealismo es uno de los géneros del arte más difíciles de entender, porque la subjetividad es lo que hace posible la creación del artista.
El dibujo es importante con el fin de exponer los sueños con claridad, los detalles son un elemento más de la obra. Los colores se mezclan en sus más variadas formas, pero lo principal es el detalle de los dibujos y la manera irracional en que éstos se colocan en el espacio, creando una belleza plástica innegable.
Automatismo significaba para los surrealistas el mecanismo por el que las ideas y las asociaciones de imágenes surgían al exterior a través de la palabra, la escritura o la imagen de manera rápida, espontánea, fluida, sin hacer caso para nada de la coherencia y el sentido. Así aparecieron diferentes técnicas en el campo de las artes visuales como el collage, los fotomontajes y el frottage (procedimiento por el cual se pasa un lápiz sobre el lienzo extendido sobre una superficie rugosa), cuyos resultados eran la aparición de un conjunto de imágenes yuxtapuestas, en apariencia faltas de sentido.
En cuanto a la vía de la exploración onírica, no se trataba del estudio de símbolos de los sueños, sino de la plasmación de imágenes oníricas, que podían proceder de sueños diferentes o podían recordarnos tan solo ciertas características de los mismos.
A partir del año 1924 el alemán Max Ernst, el francés Jean Arp, así como el pintor y fotógrafo estadounidense Man Ray se incluyeron como miembros del movimiento. También se unieron por un corto periodo de tiempo el francés André Masson y el español Joan Miró, quienes se desligaron al año siguiente por su individualismo y desacuerdos con los dictados de André Breton. Según Miró su pintura estaba concebida en un estado de alucinación. Más tarde, se incorporó el pintor franco-estadounidense Yves Tanguy, así como el belga René Magritte y el suizo Alberto Giacometti. El pintor catalán Salvador Dalí se asoció en 1930, pero más tarde fue relegado por la mayoría de los artistas surrealistas, ya que estaba más interesado en la comercialización de su arte que en las ideas del movimiento. A pesar de que durante cierto tiempo fue el artista más renombrado del grupo, su obra fue tan personal que constituye una de las muestras más representativas del surrealismo.
Ya se ha señalado el carácter literario del movimiento, encabezado por poetas y críticos literarios. En el primer manifiesto, al mismo tiempo que se afirmaba la poesía como el genero literario por excelencia, Bretón dad la siguiente definición.
<< ”Surrealismo”, n.m. Automatismo psíquico puro por el cual alguien se propone expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento.
Dictado del pensamiento Dictado del pensamiento, en ausencia de cualquier control ejercido por la razón al margen de toda preocupación estética o moral.>> En 1929 Bretón publico el second manifeste surrealiste, en el que precisaba el concepto de surrealidad; <
Entre ambos manifiestos dista un periodo que el califico de razonador en el que habían tenido lugar la primera exposición de artistas (Arp, De Chirico, Ernst, Klee, Man ray, Masson, Miro, Picasso y Pierre Roy en la galerie pierrre de parís; la aparición de la conciencia política la adhesión al partido comunista y las duras polemicas que siguieron a tal toma de posición todo ello condujo al grupo surrealista francés a emprender a partir de 1930 dos caminos paralelos el de la revolución política cuya cabeza visible fueron Aragon y Sadoul, y el de la exploración cada vez mas profunda del subconsciente, entre cuyos principales dirigentes destaco Salvador Dali, que expuso su tesis de la paranoica-critica y la aplico a la creación de los objetos <
El surrealismo de los anos veinte estuvo representado por artistas como Joan Miro, Max Ernst Andre Masson.con frecuencia se suele calificar el surrealismo de los anos veinte como <
Joan miro
(Barcelona, 1893-Palma de Mallorca, España, 1983) Pintor, escultor, grabador y
ceramista español. Estudió comercio y trabajó durante dos años como dependiente en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse durante un largo periodo en una casa familiar en el pequeño pueblo de Mont-roig del Camp. De regreso a Barcelona, ingresó en la Academia de Arte dirigida por Francisco Galí, en la que conoció las últimas tendencias artísticas europeas. Hasta 1919, su pintura estuvo dominada por un expresionismo formal con influencias fauvistas y cubistas, centrada en los paisajes, retratos y desnudos.
Ese mismo año viajó a París y conoció a Picasso, Jacob y algunos miembros de la corriente dadaísta, como Tristan Tzara. Alternó nuevas estancias en la capital francesa con veranos en Mont-roig y su pintura empezó a evolucionar hacia una mayor definición de la forma, ahora cincelada por una fuerte luz que elimina los contrastes. En lo temático destacan los primeros atisbos de un lenguaje entre onírico y fantasmagórico, muy personal aunque de raíces populares, que marcaría toda su trayectoria posterior.
Afín a los principios del surrealismo, firmó el Manifiesto (1924) e incorporó a su obra inquietudes propias de dicho movimiento, como el jeroglífico y el signo caligráfico (El carnaval del arlequín). La otra gran influencia de la época vendría de la mano de P. Klee, del que recogería el gusto por la configuración lineal y la recreación de atmósferas etéreas y matizados campos cromáticos.
En 1928, el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus telas, lo que supuso un primer reconocimiento internacional de su obra; un año después, contrajo matrimonio con Pilar Juncosa. Durante estos años el artista se cuestionó el sentido de la pintura, conflicto que se refleja claramente en su obra. Por un lado, inició la serie de Interiores holandeses, abigarradas recreaciones de pinturas del siglo XVII caracterizadas por un retorno parcial a la figuración y una marcada tendencia hacia el preciosismo, que se mantendría en sus coloristas, juguetones y poéticos maniquíes para el Romeo y Julieta de los Ballets Rusos de Diaghilev (1929). Su pintura posterior, en cambio, huye hacia una mayor aridez, esquematismo y abstracción conceptual. Por otro lado, en sus obras escultóricas optó por el uso de material reciclado y de desecho.
Nació en 1.896 en Balagny y fallecido en Parísen 1.987. Pintor e ilustrador frances. Vinculado al surrealismo, se destaca por sus metamorfosis, su tratamiento poético del mundo de los sueños y su fino erotismo. Terminados sus estudios en Bruselas, pasó a París, donde conoció a Juan Gris y aMiró. En 1.924 firmó el Manifieste du Surréalisme. Sus obras de esta primera época se caracterizan por la opacidad del fondo y el simbolismo erótico. Pasó a Cataluña (pintura de insectos y escenas taurinas muy estilizadas) y al iniciarse la guerra civil española, su obra reflejó una viva preocupación por la realidad, actitud que se repitió posteriormente con motivo de la guerra de Argelia. En los años 40 se trasladó a EEUU., se interesó por los problemas raciales negros y tuvo una amplia resonancia en los medios artísticos estadounidenses. Terminada la II Guerra Mundial, se instaló en Aix-enProvence.
Nacionalidad: AlemaniaBrühl 1891 - París 1976
Después de una formación en filosofía, algunos cursos de psiquiatría y de historia del arte, Ernst se une al grupo de la Blaue Reiter y exhibe sus obras en la galería Der Sturm de Berlín. Su amistad con Arp, el conocimiento de las obras de Giorgio de Chirico, sus estudios sobre Freud y su personal definición de Dadá son las bases de su arte. El carácter de extrañamiento y la presentación detallada y minuciosa de los objetos forman obras tan célebres como L'éléphant Célèbes (1921) o Edipo rey (1922). En 1922 se traslada a París y entra en contacto con los futuros surrealistas. A caballo entre Dadá y el surrealismo, su afán investigador le llevar a crear técnicas nuevas como el frottage o a conseguir más efectos del collage como en La femme 100 têtes. De esta época se deben destacar Bosques y los Pájaros pintados. Su creación de imágenes surrealistas parte de escritos como éste en el que explica el desarrollo: "Una realidad completa cuyo ingenuo destino tiene el aire de haber sido fijado para siempre (el paraguas), al encontrarse de golpe en presencia de otra realidad bastante distinta y no menos absurda (una máquina de coser) en un lugar donde los dos deben sentirse extraños (una mesa de operaciones), escapará por ese mismo hecho a su ingenuo destino y a su identidad; pasará de su falso absoluto nuevo, verdadero y poético: el paraguas y la máquina de coser harán el amor... La transmutación completa, seguida de un acto puro como el del amor, se producirá forzosamente todas las veces que las condiciones sean favorables para los hechos dados: acoplamiento de dos realidades en apariencia inconciliables en un plano que, en apariencia, no conviene a ninguna de las dos".En 1939 se traslada a Estados Unidos donde inventa una técnica nueva, la oscilación. El proceso consiste en dejar caer sobre el lienzo unas gotas de pintura de un bote lleno de agujeros que él mismo mueve de manera aleatoria; es el precedente de la famosa técnica del dripping de Pollock.
En 1922, Dalí se alojó en la célebre Residencia de Estudiantes de Madrid , para comenzar sus estudios en la Academia de San Fernando de Bellas Artes. Tenía 20 años, y medía 1.72 cm. Dalí enseguida atrajo la atención por su carácter de excéntrico dandy. Lucía una larga melena con patillas, gabardina, medias y polainas al estilo de los artistas victorianos. Sin embargo, fueron sus pinturas, en las que Dalí tanteaba el cubismo, las que llamaron la atención de sus compañeros de residencia, entre los que se incluían futuras figuras del arte español, como Lorca, Pepín Bello o Buñuel. En aquella época, sin embargo, es posible que Dalí no entendiese completamente los principios cubistas: Sus únicas fuentes eran artículos publicados en la prensa y un catálogo que le había dado Pichot, puesto que en el Madrid de aquella época no había pintores cubistas.
En 1924, un todavía desconocido Salvador Dalí ilustró un libro por primera vez. Era una publicación del poema en catalán "Les Bruixes de Llers", de uno de sus amigos de la residencia, el poeta Carles Fages de Climent. Dalí prontó se familiarizó con el Dadaismo, influencia que le marcó para el resto de su vida. En la residencia, también trabó una apasionada relación con el joven Lorca , pero Dalí terminó rechazando los amorosos reclamos del poeta.
Dalí fué expulsado de la Academia en 1926, poco antes de sus exámenes finales, por afirmar que no había nadie en la facultad en condiciones de examinarle a él. La maestría de sus recursos pictóricos se refleja en su impecablemente realista "Cesta de pan", pintada en 1926. Ese mismo año, visitó París por primera vez, donde conoció a Pablo Picasso, a quien el joven Dalí admiraría profundamente. Picasso ya había recibido algunos comentarios elogiosos sobre Dalí de parte de Joan Miró . Con el paso del tiempo, y el desarrollo de un estilo propio, Dalí se convirtió a su vez en una referencia y en un factor influyente en la pintura de éstos.
Algunas de las características de la pintura de Dalí de aquella época se convirtieron en distintivas para toda su obra posterior. Dalí absorvía las influencias de muchos estilos artísticos, desde el academicismo clásico a las vanguardias más rompedoras. Sus influencias clásicas pasaban por Rafael, Bronzino, Zurbarán, Vermeer, y por supuesto Velázquez. Alternaba técnicas tradicionales con sistemas contemporáneos, a veces en una misma obra. Las exposiciones de su obra realizadas en Barcelona en aquella época atrajeron gran atención, en la que se mezclaban las alabanzas y los confusos debates suscitados entre la crítica dividida.
También en aquella época, Dalí se dejó crecer un vistoso mostacho que imitaba al del célebre pintor Diego Velázquez, y que se convertiría en un distintivo personal para el resto de su vida.
En 1929, Dalí colaboró con el director de cine Luis Buñuel, amigo de la residencia de estudiantes, en la redacción del polémico cortometraje Un chien andalou, en el que se mostraban escenas propias del imaginario surrealista. Dalí afirmó haber desempeñado un papel esencial en el rodaje del film, sin que este extremo se haya visto confirmado por la historiografía del arte contemporáneo. En agosto de ese mismo año conoció a su musa y futura esposa Gala, , nacida con el nombre de Elena Ivanovna Diakonowa. Ella era una inmigrante rusa, once años mayor que él, en aquel tiempo casada con el poeta francés Paul Éluard. Ese mismo año, Dalí continuó exponiendo regularmente, ya como profesional, y se unió oficialmente al grupo surrealista afincado en el barrio parisino de Montparnasse. Su trabajo influyó enormemente en el rumbo del surrealismo durante los dos años siguientes, que le aclamó como creador del método paranoico-crítico que, según se decía, ayudaba a acceder al subconsciente liberando energías artísticas creadoras.
En el ámbito doméstico, la relación de Dalí con su padre estaba próxima a la ruptura. Don Salvador Dalí y Cusí se oponía al romance del joven artista con Gala, y condenaba su vinculación con los artistas del surrealismo por considerarles -como buena parte de la opinión pública- elementos tendentes a la degeneración moral. La tensión fue en aumento hasta culminar con un enfrentamiento personal, a raíz de unos comentarios de Dalí publicados por la prensa, en los que un "Sagrado Corazón de Jesucristo" expuesto en París por el joven mostraba una inscripción en la que se leía: "En ocasiones, escupo en el retrato de mi madre para entretenerme". Ultrajado, su padre demandó una satisfacción pública. Dalí se negó, quizás por temor a ser expulsado del grupo surrealista, y fue echado violentamente de casa el 28 de diciembre de 1929. Su padre le desheredó y le prohibió regresar jamás a Cadaqués. Posteriormente, Dalí describió cómo en el curso de este episodio le presentó a su padre un preservativo usado conteniendo su propio esperma, con las palabras:"Toma. ¡Ya no te debo nada!". El verano siguiente, Dalí y Gala alquilaron la pequeña cabaña de un pescador en una bahía cerca de Port Lligat. Compró el terreno, y a lo largo de los años fue ampliándola hasta convertirla en su fastuosa villa junto al mar, hoy reconvertida en casa-museo. Gala y Dalí se casaron en 1934 en una ceremonia civil, y volverían a hacerlo (esta vez por el rito católico) en 1958.
En 1931, Dalí pintó una de sus obras más célebres, "La persistencia de la memoria" (Los relojes blandos), obra en la que según algunas teorías ilustró su rechazo del tiempo como una entidad rígida o determinista. Esta idea se ve apoyada por otras imágenes de la obra, como el extenso paisaje, o algunos relojes de bolsillo devorados por insectos. Los insectos, por otra parte, formarían parte del imaginario daliniano como una entidad destructora natural, y tal como explica en sus memorias venía determinada por un recuerdo de infancia.
Rene Magritte
A partir de 1926 el estilo de Magritte, también llamado "realismo mágico", cambia poco; entre 1928 y 1930 investiga las ambiguas relaciones entre palabras, imágenes y los objetos que éstas denotan. En La perfidia de las imágenes (1928-1929) retrata meticulosamente una pipa, y debajo, con igual precisión, pone la leyenda Ceci n'est pas une pipe, cuestionando la realidad pictórica. El espejo falso (1928) explora la misma idea: el ojo, como un falso espejo, reflejando las nubes blancas y el cielo azul pintados de forma realista; en este cuadro introduce el tema del paisaje ilusionista, interpretado en clave pictórica, alejado de toda intención naturalista. Magritte explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusión espacial, que es el trasunto de la pintura misma.
Hace muchas variaciones sobre este tema, quizá la más clara de todas sea Los paseos de Euclides (1955), donde muestra un caballete con un cuadro frente a una ventana, a través de la cual se ve un paisaje; la escena pintada corresponde exactamente al fragmento de paisaje sobre el que se sitúa el cuadro, llevando el problema de la pintura, como confrontación naturaleza-ilusión, a la cuarta dimensión.
En 1933 hace una exposición individual en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas y en 1936 su primera individual en Estados Unidos en la galería Julien Levy de Nueva York.
En ese mismo año su obra está presente en Arte fantástico, Dadá, Surrealismo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
En los años cuarenta la obra de Magritte adopta una paleta y una pincelada impresionistas y en 1947-1948 desarrolla sus cuadros llamados fauvistas.
La respuesta de la crítica es, en general, hostil hacia estas obras, y Magritte vuelve a su acostumbrado estilo. Son característicos de los años cincuenta los cuadros en los que tanto figuras interiores como paisajes y objetos aparecen convertidos en roca.
"Las formas básicas y los temas, sin embargo, continúan la fantasía del lugar común durante los años sesenta. Una escena urbana nocturna a la que se le superpone un cielo azul con nubes de atardecer flotando; carreras de jockeys en coches y por habitaciones; o una elegante amazona paseando por un bosque mientras es segmentada por los árboles. Pero el mundo de Magritte contiene siempre al misterioso hombre invisible con bombín y abrigo negro solo o en grupos, como en Golconda (1953), donde una multitud de ellos desciende sobre la ciudad" (Arnason).
A lo largo de los años cuarenta expone asiduamente en la galería Dietrich de Bruselas.
En los dos decenios sucesivos recibe numerosos encargos para la ejecución de pinturas murales en Bélgica.
Desde 1953 expone frecuentemente en la galería Alexander Iolas de Nueva York, París y Ginebra. Se organizan retrospectivas sobre su obra en 1954 en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, y en 1960 en el Museo de Arte Contemporáneo de Dallas y en el Museo de Bellas Artes de Houston.
Viaja por primera vez a Estados Unidos en 1965, con motivo de una retrospectiva que el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedica.
Durante el año siguiente viaja a Israel.
Nacido en Brühl en 1891, ingresó en la Universidad de Bonn donde estudió filosofía y psiquiatría. Se alistó en el ejército alemán durante la Primera Guerra Mundial. Cuando Ernst dejó el ejército ya había surgido en Suiza el movimiento dadá; atraído por la revolución dadaísta contra lo convencional, Ernst se instaló en Colonia y comenzó a trabajar en el collage.
En 1922 se trasladó a vivir a París, donde comenzó a pintar obras surrealistas en las que figuras humanas de gran solemnidad y criaturas fantásticas habitan espacios renacentistas realizados con detallada precisión (L'eléphant célèbes, 1921, Tate Gallery, Londres).
En 1925 inventó el frottage (que transfiere al papel o al lienzo la superficie de un objeto con la ayuda de un sombreado a lápiz); más tarde experimentó con el grattage (técnica por la que se raspan o graban los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla de madera). Ernst fue encarcelado tras la invasión de Francia por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial; en la prisión trabajó en la decalcomanía, técnica para transferir al cristal o al metal pinturas realizadas sobre un papel especialmente preparado.
En 1930, debutó como actor en el cine con La edad de oro (L' Age D' Or), segundo filme surrealista del director español Luis Buñuel, donde interpreta el papel del cruel jefe de los bandidos. Dicho film causó un verdadero escándalo en Francia, y fue prohibida por más de 50 años. Sin embargo, Max Ernst siguió colaborando en otros filmes de corte surrealista, en los siguientes años.
En 1941 emigró a Estados Unidos con la ayuda de Peggy Guggenheim, que se convertiría en su tercera esposa en 1942. En 1953 regresó a Francia y a partir de entonces sus obras gozaron de una notable revalorización.
A lo largo de su variada carrera artística, Ernst se caracterizó por ser un experimentador infatigable. En todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo extradimensional de los sueños y la imaginación.
Nacionalidad: FranciaParís 1900 - Woodbury 1955
A pesar de unos inicios tardíos en el campo de la pintura, Yves Tanguy constituye una de las revelaciones del arte surrealista. Como dato curioso, hay que mencionar cómo fue la profunda sensación de la imagen de un cuadro del italiano Giorgio de Chirico en 1923 la que provocó su inmediata adhesión a la pintura. En 1920 entabla amistad en París con Prévert y Marcel Duhamel y en 1925 se introduce en el movimiento surrealista, donde realiza obras inspiradas en bestiarios fantásticos y en elementos propios de la iconografía pictórica de Max Ernst y Joan Miró. Tanguy será, de hecho, uno de los mejores exponentes de esa tendencia que se conoce como "surrealismo de formas orgánicas", donde predominan los elementos que cambian de estado.Su maduración en el surrealismo se inscribe en paisajes oníricos habitados por formas embrionarias, seres unicelulares, placentas, en una atmósfera fantástica y extraña que recuerdan en muchas ocasiones a los ambientes desolados y fríos de Salvador Dalí. Se trata de un universo resuelto con una detallada descripción y salido "de la experiencia lejana" en palabras de André Breton. Es la visión de playas fantásticas con objetos percibidos como durante el sueño. Entre sus obras más destacadas con esos aspectos sobresalen El sol en su arca (1937), Palacio con rocas de ventana (1942) o Todavía y siempre (1942).En 1934 marcha como emigrante a Estados Unidos hasta el año 1948, cuando se convierte en ciudadano americano. Allí fue uno de los protagonistas más conocidos del surrealismo americano en su corriente más formalista. De este periodo podríamos mencionar obras tan destacadas como La multiplicación de los arcos (1954) y Los números imaginarios (1954).
Nacionalidad: Suiza Borgonovo 10-10-1901 - 1966
Su padre, Giovanni Giacometti, se dedicaba a la pintura, por lo que desde muy joven Alberto Giacometti decide seguir sus pasos. Desde la década de los años veinte estudió pintura, escultura y dibujo en Ginebra. En 1920 emprende su primer viaje a Italia. Allí estudia a Cézanne y Archipenko. El arte antiguo y las obras de Giotto y Tintoretto es otro de los temas que despiertan su interés. Su siguiente destino es París. Allí vuelve a estudiar. Junto con su hermano Diego, se instaló en un estudio y comenzó a trabajar. Sus obras se inspiran en las manifestaciones africanas y el cubismo. En esta época celebra su primera exposición en el Salón de las Tullerías. En la década de los años treinta se decanta por el surrealismo y celebra su primera exposición individual en la galería Pierre Colle de París. Pero su atracción por la naturaleza hace que se desligue de las tendencias surrealistas y convierte al mundo en su principal punto de partida. En la década de los cuarenta realiza miniatura y la superficie es cada vez más irregular. Los individuos y su mundo es el asunto que más le interesa. Realiza figuras frontales que se enfrentan a la soledad. Tras vivir durante un breve periodo en Ginebra, regresa a París. Sus figuras son cada vez más largas y espirituales. Samuel Beckett fue una de sus amistades más allegadas. Desde los años sesenta su obra es cada vez más admirada. Se organizan varias retrospectivas y su obra es reconocida en toda Europa y galardonada con varios premios.
Alexander Calder
Nacionalidad: Estados Unidos 1878 - 1976
Pintor y escultor americano, se le conoce como el inventor del móvil. Su abuelo Alexander Milne Calder fue escultor y su madre fue pintora, pero él no comenzó a interesarse por el arte hasta 1922, después de haber estudiado ingeniería. En 1923 se matriculó en la School of the Art Students League de Nueva York, entre cuyos profesores se encontraba George Luks y John Sloan. Calder y sus compañeros hicieron un concurso de ejecución de apuntes de gente en la calle y en el metro, en el que Calder destacó por su capacidad para sugerir el movimiento con una sola línea continua. Desde este punto hay un solo paso para sus obras de alambre. En 1931 cuando vivía en París, se unió al grupo Abstraction-Creation y ese mismo año realizó su primera construcción móvil no figurativa.Las construcciones, que se movían manualmente o con un motor eléctrico fueron bautizadas como "mobiles" por Marcel Duchamp y Arp sugirió llamarles "stabiles", los que fueron inmóviles. En 1934 Calder comenzó a hacer móviles sin motor y por ello es muy conocido, los construía generalmente con piezas recortadas y pintadas colgando de cuerdas o alambres delgados, respondían por su propio peso a la más leve corriente de aire y estaban diseñados de tal manera que aprovechasen los efectos de las luces cambiantes. Calder los llamó dibujos cuatridimensionales. Algunas de estas obras son de grandes dimensiones. Los móviles de Calder se cuentan entre los precursores del arte cinético.
Nacionalidad: Gran Bretaña Castleford 1898 - Much Hadham 1986
Hijo de un miniaturista, cursó sus estudios en Gramar School de Leeds, ejerciendo en 1916 como maestro. Al año siguiente se alista en el ejército y participa en la I Guerra Mundial, sufriendo los efectos de los gases en la batalla de Cambrai. Tras finalizar el conflicto, obtiene una beca para estudiar en la School of Arts de Leeds, concluyendo sus estudios en el Royal College of Art de Londres. En la capital británica visitó con frecuencia el British Museum y el Museo de Ciencias Naturales, sintiéndose atraído por la escultura arcaica y clásica, así como por las formas naturales.En 1925 obtiene una nueva beca para visitar París, Italia y España, ampliando sus conocimientos artísticos con el estudio de las obras del Renacimiento hasta el último cubismo. Estas influencias serán reelaboradas por Moore para crear un estilo personal cargado de humanismo. Sus primeras obras están definidas por el arcaísmo y en ellas manifiesta ya sus temas más atractivos, como la figura yacente o la madre con el hijo.Hacia 1935 se sintió atraído por el surrealismo, llevando la figura humana a formas vinculadas con la naturaleza. También se interesó por la abstracción y en las obras de esta década se aprecian influencias de ambos estilos.Su principal aportación la encontramos en las cavidades que poco a poco se van excavando en sus obras, cavidades que ocuparán un espacio cada vez más importante. Precisamente su etapa madura estará caracterizada por la complementariedad entre forma y espacio. Sus obras tiene una escala monumental, en función de su ubicación generalmente al aire libre.
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